Confesiunea fericirilor post-curatoriale FNT35

Photocredit: Mihaela Marin

Am început ediția FNT35 cu un gest de mulțumire, cu mâinile împreunate, pe Scena „Ion Caramitru” a TNB, în fața a 950 de oameni și am terminat festivalul, după 10 zile mulțumind cu același gest adresat unui singur om – actorul Miklós Bács în rolul lui Jenő Janovics, în Sala Pictură a aceluiași teatru. Am tot repetat atunci când am fost întrebată ce am vrut să transmitem cu îndemnul tematic „TE PRIVEȘTE!” intenția de responsabilizare, asumare, implicare, luciditate… cuvinte care să inspire la o atitudine activă, demnă, implicată dincolo de declarații de dragoste. Și, fără să îmi dau seama, mi-am însușit foarte personal participarea la festivalul din acest an; m-a privit într-atât încât pare că odată terminat FNT35, dincolo de oboseala inerentă, am rămas orfană de scop imediat și entuziasm centrat precis.

Dacă despre experiența din ipostaza de curatoare alături de colegii Raluca Cîrciumaru și Ionuț Sociu am avut ocazia să detaliez, să explic și să mulțumesc deja, despre experiența umană, de bucuria acestor zece zile vreau să povestesc acum. Cu sufletul deschis, recunoștință și sinceritate mai degrabă romantică decât morgă profesională. Amintirile de peste ani nu vor contoriza merite analitice ale spectacolelor, performanțe încadrate în parametri sau standarde de calitate raportate în procente. Pentru feedback, critici constructive sau trageri la răspundere individualizate de așteptări personalizate neîndeplinite există un alt context. Acum, după câteva ore de somn, o rundă de cumpărături care să rezolve goliciunea frigiderului neaprovizionat de o săptămână, două ture de rufe puse la spălat și gătitul unei tocănițe cinstite după dieta-minune cu covrigi, merdenele și felii de pizza care m-a ajutat să slăbesc 3 kilograme în zece zile, altceva pare mai important: ce rămâne când închid ochii și privesc în mine.

Rămân emoțiile paralizante din timpul cuvintelor de la deschidere pe care conștientizam că le gândesc și le rostesc eu însămi, dar care aveau sonoritate străină amplificate, parcă, nu doar în difuzoare, ci și în importanța mesajului purtat și responsabilitatea aferentă. Apoi energia ultimei scene din „Gro(o)ve” a lui Radu Afrim, când performerii-dansatori acompaniați de vocea hipnotică a Anei Everling au dat tonul entuziasmului pentru tot ce avea să urmeze. Și au tot urmat: frumusețea emoției de a fi încă și mai încântată, mai impresionată de a doua vizionare a spectacolului „Casa dintre blocuri” în regia lui Radu Afrim; e pentru prima dată când mi se întâmplă și e minunat să fiu surprinsă așa de un spectacol. Apoi, după 13 ore petrecute între evenimente din festival, când credeam că după aplauzele de la „Richard III”, când am cântat împreună cu rock-starul FNT35, Zsolt Csongor Nagy, „Break on through to the other side” voi căuta cel mai rapid taxi spre casă, m-am trezit cântând și pe bulevard și cotind stânga spre clubul neoficial al festivalului unde să pot împărtăși toată energia înmagazinată ca după un super-concert.

Lungul drum al zilei către noapte; Photocredit: Mihaela Marin

Și catharsis a fost pentru mine – ca de manual: „curățare prin milă și teamă”; la „Canin”, în regia lui Botond Nagy, unde am mai făcut pace cu ceva episoade din amintirile din copilărie deloc asemănătoare cu titlul omonim din manualele școlare. Și apoi au fost cele mai mari emoții de susținere, pe care țin minte să le fi avut vreodată ne-egoist, cu două ore înainte de ora începerii; pentru „Lungul drum al zilei către noapte” în regia lui Timofei Kuliabin, pe care pot să îl mărturisesc acum, după festival, a fi spectacolul meu de suflet din stagiunea trecută. Cel mai inspirațional, tonic și încurajator moment al festivalului a fost, pentru mine, șansa de a fi martora întâlnirii din Sala Media a TNB dintre Radu Afrim și elevii din trupele de teatru, moderată de Mihaela Michailov. Am stat „studențește”, pe mocheta verde, sprijinită de placajul de lemn și am ascultat cu o bucurie imensă un dialog între spirite pereche, tinere – respectul, normalitatea, generozitatea acelei după-amieze sunt memento-ul care îmi dă încredere că merită să credem în viitorul frumos al meșteșugului ce se reinventează continuu, creativ și curajos.

Inevitabil, era nevoie și de un reality check brutal, cu prezentul neromanțat al realității – dezbaterea pe marginea crizei din domeniul artelor spectacolului a fost prilejul de a-mi reconfirma egoismul și neputințele breslei, solidaritatea încă necoagulată, lipsa putinței unei priviri de ansamblu benefice și a încrederii în reprezentați competenți; un sentiment cunoscut de splin și amar, necesar, însă, pentru a putea păstra un azimut realist. Seara am pornit în căutarea frumosului care să atenueze greutatea zilei și am îmbibat receptarea cu „puterea de a îndura” sublimată în ultima scenă din „Nijinski. Agonie și extaz” în care Răzvan Mazilu, alături de partenera sa, bara de balet, compune imaginea transfigurată în dans a condiției artistului. Iar târziu în noapte, am respirat primele tăceri, aplauze, priviri în sala de la Grivița53 – am fost acolo la nașterea primului act artistic din noul teatru clădit din visare și nu aș fi ratat asta niciodată. Și am râs hohotit la „Teatro Lucido la malul infinitului” împreună cu prieteni, și am plâns, tot umăr la umăr cu prieteni, la „Janovics” în ziua următoare. Și cu greu am plecat din sală.

Photocredit: Cosmin Stoian

Între amintirile concrete ale spectacolelor și întâmplărilor artistice din FNT35 sunt multe priviri ochi în ochi, cuvinte între suflete, îmbrățișări mai lungi sau mai scurte, mâini strânse cu drag, prietenie, mulțumiri, dojeneli, întâlniri, râs, șoapte, pahare ciocnite, cafele, așteptări prelungite, grabă, fugă între săli, supărări, bucurie – viață. Singurul mod în care știu să exist în profesie: cu umanitate, sinceritate și iubire. Iar la finalul provizoriu, până la următorul prilej de bilanț, le mulțumesc colegilor artiști, teoreticieni, practicieni, care mi-au devenit prieteni de-a lungul timpului și, dacă îmi este permis, dedic implicarea mea în FNT35 studenților teatrologi, viitori colegi și, poate, prieteni, care vor avea șansa de a profesa cu umanitate, sinceritate și bucurie!

Zvon de pași pe lemnul Livezii de vișini

Ne grăbim să simțim; să mai simțim – în șuvoiul informațional care ne poartă ca pe o coajă de carenă în furtună, cuprindem strâns orice petec curat de emoție ce ne mai poate scoate la suprafață. Paradoxal, cu cât “le știm pe toate” și, teoretic, am devenit imuni la grozăvii și violență, cu atât mai dornici am devenit de umanitate împărtășită prin efluvii de sentimente, chiar și patetice, uneori. Catharsisul cotidian pare să se fi mutat din arenele sportive și de la thrillerele trepidante către episoadele de introspecție recognoscibile din propria experiență ce are nevoie de vindecare și reconciliere. Trăim mai mult decât ne dăm seama într-un trecut traumatic – individual sau colectiv – pe care îl găsim vinovat pentru anxietatea prezentului amenințat de crize existențiale. Așadar, acest apetit exacerbat al simțurilor, ne poate distrage atenția tocmai de la detaliile responsabile pentru confortul sufletesc resimțit în sala de spectacol.

Montarea cu “Livada de vișini” de Anton Pavlovici Cehov semnată de Andrei Măjeri la Teatrul de Stat din Constanța este un spectacol al detaliilor ce creează o lume. Povestea despre boieri scăpătați și ariviști cu simț practic o știm – de un secol și încă un sfert. Ce mai seduce, încă, în piesa lui Cehov e acel spirit al umantății din om, ciocnirea electrizantă de la jumătatea distanței dintre dualitatea nuanțată a defectelor și calităților ce împlinesc destine perpetuu imperfecte. Universul imaginat de Andrei Măjeri și concretizat fulminant de scenografia Oanei Micu și lighting designul conceput în clar obscur și insule de lumină de Sabina Reus propune un micro-cosmos familial închis între zidurile unei istorii aflate la răscruce, ce se confruntă cu realitatea macro-cosmosului din afara acestui cerc de protecție. Dialogul subtil dintre interior și exterior, șoaptele, zvonurile, muzica îndepărtată, tranzițiile sonore, intrările și ieșirile din spațiul de joc convențional stabilesc premisele disoluției acestei căptușeli roase de o vină transgenrațională istorică.

Cele patru acte parcurg anotimpurile și, totodată, vârstele maturizării impuse de un prezent ce nu mai are răbdare pentru etichetă și tihnă. Livada nu e arătată, noi nu o vedem niciodată în spatele ferestrei opace; doar personajele o evocă. Ea își insinuează prezența în lemnul masiv care te înconjoară odată ce devi oaspete în Casa Cehov din Sala Studio-BCR. E cald, viu și sobru acest material care vibrează sub pașii actorilor. Sonoritatea cadenței acestor pași personalizează fiecare prezență și ritmul atingerilor de toc, de talpă de cizmă, de pantof de lac, de papuc, de picior gol, de cârjă, sau de roată descrie viața interioară a casei-personaj ce își trăiește ultima vară de însuflețire înainte să fie ucisă în numele viitorului. Căpițele de fân rostogolite în actul II par un tribut adus lanului de grâu din montarea lui Lucian Pintilie din 1967 și transpun în spațiul meta-teatral sugestia aceluiași tip de tranziție între generații. Pușca cehoviană proverbială e transformată de Andrei Măjeri în pielea de urs atârnată premonitoriu în actul I, ce va deveni simbolul decăderii unui imperiu în scena finală – din “marele urs” a rămas doar o carcasă ponosită ce învelește moartea unei epoci.

Crescendoul inventivității spectaculare ce propune soluții și imagini din ce în ce mai conceptuale e în acord cu respectul pentru acest apus nostalgic al eleganței, plictisului poetic și al sensibilității nobile. Cu băgare de seamă se insinuează fiecare nouă abatere de la respectul clasicizat pentru monumentalitatea capodoperei. Primul act e bruscat doar de apariția ca “din viitor” a lui Iașa cel zgomotos și ireverențios, cu boxă portabilă în borseta din piele și geacă de motociclist, ce spune nonșalant “slay”ul, marcă a Gen Z, în plină convenție de început de secol XX. Treptat, atmosfera cumpătată a unei montări ce părea neabătută de la “dulcele stil clasic” prinde tracțiune și, act cu act, îndrăzneala estetică a interpretării personalizate oferă consistență conceptuală. Songurile emoționante – comentarii sensibile ce acompaniază punctele de forță ale spectacolului – scenele-simbol coregrafiate de Andrea Gavriliu, transformarea spectaculoasă a spațiului, converg către o acumulare emoțională rafinată artistic, mai nuanțată decât impresionarea indulgentă în fața poveștii.

Performanțele actorilor sunt potențate de sarcini scenice clare, ușor de intuit. Cerasela Iosifescu (Ranevskaia) e în control deplin al unei teatralități voite; alintul și feminitatea bolnăvicioasă folosite ca singure arme ale unei femei în plin declin psihic și emoțional, în plină ruină materială, sunt modulate astfel încât drama se întrevede în spatele măștii de superficialitate. Liviu Manolache (Gaev) folosește o retorică pedantă în acord cu logoreea personajului care se apără cu vorbe rostogolite cu fast de inerența falmentului unei existențe lipsite de orice spirit practic. Ecaterina Lupu (Varia) construiește cel mai inedit parcurs al unui personaj pe care îl scoate de sub greutatea clișeelor – cu o determinare curajoasă, o transformă pe Varia într-o eroină tragică, iar finalul său, original intuit de regie dintr-o indicație de cod din lectură, oferă premisele pentru performanță actoricească. Ștefan Mihai (Lopahin) suplinește tinerețea evidentă cu o intensitate ce motivează un parcurs interior contorsionat între bune intenții, omenie, ambiție, beția puterii și voluptatea răscumpărării unui destin moștenit.

Cristiana Luca (Ania) se maturizeazǎ act de act de la adolescenta rǎsfǎțatǎ pânǎ la tânǎra descumpǎnitǎ care îşi face curaj în fața unui mâine incert. Cătălin Bucur (Trofimov) e cerebral, pare că prin lentilele ochelarilor lui putem observa obiectiv această splendidă moarte simbolică. Remus Archip (Pișcik) are candoarea unui clown amator convertită în tristețea sinceră din monologul final. Andrei Bibire (Epihodov) are o corporalitate de acrobat care își simulează stângăcia pentru a suporta o viață de “ghinioane”. Mirela Pană (Firs) realizează o compoziție în care nici genul schimbat, și nici vârsta îmbătrânită nu sunt coordonatele care șochează strident, ci impresionează prin voința vitală dată de loialitate și umanitate a căror expresie explodează spectaculos în cântec. Ioana Cojocărescu (Duniașa) jonglează cu frivolitatea și feminitatea ca singur bilet spre viitor, însă, cu un singur cuvânt, caracterizează exact condiția sine qua non a femeii de-a lungul secolelor: “Acușica” e răspunsul docil, sfâșietor, care cuprinde toată neputința și resemnarea. Alex Iezdimir (Iașa) are o masculinitate cuceritoare care se mulează ca o piele moale atât pe ipostaza de macho infatuat, cât și pe cea a supusului interesat.

“Livada de vișini” visată de Andrei Măjeri are o alură de menuet remixat la consola unui DJ headliner de festival. O boare de parfum scump, vechi, răzbește printre damfurile proaspete ale vișinilor în floare, iar nota de bază a mucegaiului de sub parchetul original completează un buchet de arome ce pot îmbăta simțuri și ațâța emoții. O lume bolnavă de lene și plictis moare sub loviturile de cizme murdare de noroi a unor viitori tirani născuți în spirtul revanșard al șanselor revendicate cu rapacitate și nesaț. Războiul ce va să vină traversează scena ca un pâlc de trupuri schilodite de plumb, cu conștiința bandajată în crârpele ignoranței – semințele lui sunt sădinte în pământul reavăn din care se smulg rădăcinile copacilor îmbătrâniți de uscăciune sufletească și rodesc apoi sub ploaia de ambiții răsfățate de o putere sălbatică.

Teatrul de Stat Constanța

Livada de vișini

Distribuție

“Nunta lui Decebal”, loteria vizelor și eclipsa

Nostalgia pare a fi la modă. Spiritul retro impulsionează inspirația creativă și devine resursă pentru povești care bat în cutia de rezonanță a sensibilităților în căutare de emoții recognoscibile. E mai ușor de accesat un dialog artistic “de la suflet la suflet” atunci când reperele sunt comune. Există un fond substantial de amintiri general valabile ce pot vibra pe corzile acelorași sentimente de dor și jind dulci-amărui ale trecutului recent. Copilăria și adolescența, visele mari, inocența primelor iubiri, familia generică având aceleași hachițe și tabieturi, zonele tangente ale forului sufletesc creează premisele unor produse artistice cu o adresabilitate largă.

Spectacolul “Nunta lui Decebal” de Eduard Buhac și Matei Lucaci-Grünberg, montat de Matei Lucaci-Grünberg la Teatralli, are toate atuu-urile unei drame emoționante, povestită cu nostalgie și umor, ce poate fi ușor asimilată de un public care își regăsește propria istorie familială în trama din Amara anului 1999. O familie modestă, dar unită, cu un fiu adolescent în căutarea fericirii, trăiește realitatea gri dintr-o tranziție atât de cunoscută oricărui spectator cu ă vârstă mai mare de 30 de ani. Trei prieteni buni, doi băieți și o fată, ei cu geci de blugi, ea în colanți colorați, ascultă muzică americană și își caută norocul la o loterie a unor vize ce promit libertatea – acest miraj scris parcă pe billboard-uri și gust de Coca-Cola. Acțiunea are un firesc neforțat, situațiile sunt cât se poate de plauzibile și decurg ca într-un serial de maximă audiență din acea perioadă. Un iz puțin casnic-patetic, inspirit din istoricul oricărei familii obișnuite menține o atmosferă blândă, lipsită de mari intensități sau posibilități de răsturnări de situație spectaculoase.

Spațiul creat din proiecții în spatele ecranului transparent oferă o artificiozitate în contrast cu naturalismul scenariului și al manierei de joc. Componenta video semnată de către Dilmana Yordanova nu reușește să calibreze la fel de coherent fiecare situație și pendulează între metafora eclipsei în desfășurare, concretețea unei cămări bogată în detalii și o sală de așteptare lipsită de personalitate care deraiază stilistica de până atunci a spectacolului. Mișcarea scenică include o utilizare destul de arbitrară a spațiilor decupate în spatele și în fața ecranului, în fața scenei și în sală. Din dorința de a suplini, parcă, minimalismul decorului Iulianei Vâlsan, regizorul Matei Lucaci-Grünberg a integrat, aproape forțat, sala ca spațiu de joc în afara unui al patrulea perete, desi întregul parcurs este perfect convențional. Multe acțiuni și o mișcare browniană pe interval încercă să impulsioneze energetic un spectacol construit pe scene de dialog naturalist. Insertul supra-realist, voită supapă comică, dialogul dintre tatăl conservator și iubitor de istorie și Decebal cel original, pierde astfel din impact, fiind rezolvat la fel cu alte scene realiste de până atunci. O idee cu haz, realizată cu echilibru, e cheia de interpretare a preotului – tânăr, iubitor de sport și fotbal, aparent interest amoros de enoriașa matură, care se dovedește, însă, doar un coechipier de nădejde pentru pase cu mingea în scop terapeutic.

Jocul actorilor se încadreazî în aceleași limitări mai mult sau mai puțin ponderate ale plauzibilului și posibilului, fără premise certe pentru performanță. Edurad Buhac (Decebal) își conduce personajul cu un plan second bine articulat, pare că păstrează o enigmă pe care o relevă într-un monolog răspicat, cu o forță generată de sinceritate scenică. Pamela Iobaji (Miruna) are candoarea și sensibilitatea adolescentei realiste, fata cuminte care menține cu maturitate și sensibilitate echilibrul în gașca ei de prieteni. Dan Pughineanu (Mișu) are o explozie temperată atunci când își vede visele irosite și prietenia trădată, dar păstrează un zâmbet trist în colțul gurii pentru a rămâne băiatul de treabă, loial și resemnat. Elvira Deatcu (Doamna Popa) însumează toate grijile unei mame cu suflet mare, o soție așa cum ne amintim fiecare dintre noi propriile mame în această ipostază, cu privire caldă, reproșuri mărunte, dragoste necondiționată și sacrificiu personal pentru familia pe care o apără așa cum poate, cu sfaturi cerute duhovnicului și gogoși. Alexandru Papadopol are o grabă în livrarea explicativă a replicilor, simte nevoia să crească energia în scenă și devine ușor ostentativ, poate prea egal-certăreț în ambele roluri pe care le interpretează – Domnul Popa și predicatorul șarlatan care vinde iluzii dintr-o Americă utopică.

Nunta lui Decebal este un spectacol-poveste despre o realitate-amintire atât de familiară; și atât de familială oricărui spectator deja matur, care a privit eclipsa din 1999 prin ochelarii fumurii. Pentru cei mai tineri poate fi o curiozitate satisfăcută de a vedea ce însemna libertatea pentru părinții lor. Nostalgia este, cu singuranță, numitorul comun care poate transforma o experiență neutră din sala de spectacol într-un prilej de emoție și reflecție asupra propriului trecut recent.

Teatrelli

Nunta lui Decebal

REGIE: Matei Lucaci-Grünberg

DRAMATURGIE: Eduard Buhac și Matei Lucaci-Grünberg

DISTRIBUȚIE (în ordine alfabetică): Alexandru Papadopol, Dan Pughineanu, Eduard Buhac, Elvira Deatcu, Pamela Iobaji

SCENOGRAFIE: Iuliana Vîlsan

VIDEO: Dilmana Yordanova

SUNET: Andrei Sever

“Cum vă place” sau de ce v-ar plăcea?

Bunele intenții și omenia, cumsecădenia și cumințenia nu sunt neapărat calitățile cele mai de preț ale artistului. Oameni de bine care tratează reverențios și cu respect încercările artistice au toate șansele de a executa corect și banal partituri învățate conștiincios. Asemeni copiilor lăudați pentru că “unde îi pui acolo stau”, creatorii lipsiți de o îndrăzneală măcar puțin obraznică riscă să rămână constant frustrați de lipsa strălucirii pe care doar creativitatea netrucată o conține. Pentru că e, într-adevăr, frustrant să faci tot ce ține de tine, să urmezi pași, instrucțiuni și scheme buchisite în ani de studiu, pentru care ai primit note mari și laude pentru perseverență și seriozitate, pentru ca apoi să te plafonezi în spațiul îngust al produselor artistice “drăguțe” și “muncite”.

Spectacolul “Cum vă place”, de William Shakespeare, în regia Adreei Lucaci, montat la Teatrul Bulandra este unul dintre acele prilejuri crispante de întâlnire dintre bune intenții și limite. Pornind de la o idee mult prea generală, generoasă și nobilă, e drept, demersul artistic nu trece deloc pragul încercărilor cuminți, dar lipsite de consistență. Dorința declarată e aceea de a bucura publicul; de a ne bucura împreună – artiști și spectatori – de teatru cu o poveste frumoasă de-a iubirea, spusă cu entuziasm și energie. Minunat – doar că nu e suficient să citești aceste gânduri în caietul program dacă pe scenă energia e risipită în scene care se succed fără a spune, de fapt, mai nimic. “De ce”ul acestui spectacol este superficial și pe cât de “în mare” e evocată bucuria, la fel de general e întreaga structură pestriță și lipsită de coerență.

Lumea ca scenă pe care toți ne regăsim actori a devenit un pretext banal, bifat prin începutul aglomerat de o agitație fără o motivație clară; publicul intră în sală în timp ce actorii și tehnicienii forfotesc și par a fi luați pe nepregătite. Diluarea barierei dintre scenă și sală, cu multe trasee și scene jucate printre scaune și pe interval, devin soluții regizorale folosite aleatoriu pentru a sublinia această coexistență înafara convenției oglizii scenei, dar fără o motivație lămurită. Nu e cu nimic mai emoționant sau mai de impact că Frederic Uzurpatorul o alungă pe Rosalinda printre picioarele spectatorilor, cu atât mai mult cu cât în partea a doua a spectacolului se renunță aproape integral la folosirea sălii ca spațiu de joc. Nici distribuirea locurilor în arena nu e justificată decât printr-o rotire constantă a actorilor astfel încât să fie văzuți 360 de grade, iar drumurile lungi între punctele fixe și dialogurile la distanțe mari rămân și ele doar soluții tehnice, fără nicio plus-valoare în interiorul relațiilor sau situațiilor.

Scenografia Dianei Nistor este o aglomerare de elemente reciclate din alte producții ale Teatrului Bualndra, însă această estetică voit desperecheată, colorată și stridentă contribuie, doar, și mai mult la impresia de superficialitate a voinței regizorale. La fel de “în general”, de arbitrar arată și spațiul de joc și costumele. Atunci când un obiect din scenă pare că poate fi înlocuit cu oricae altceva, iar nici utilitatea, nici simbolistica lui nu sunt relevante pentru acțiune, colajul vizual devine cacofonic și obositor. Perucile ce par alese voit de calitate slabă transformă în caricaturi personajele interpretate în tușe groase precum Adam cel ca un Pantalone fără glorie din bâlciuri – Manuela Ciucur – sau Le Beau, bufonul fără umor care compensează cu gesturi de Arlechino fără mobilitate – Lucian Ifrim. Soluția de a recurge la proiecții video cu Uzurpatorul după ce în primele scene Șerban Pavlu l-a interpretat cu morgă regală, doar pentru că același actor a fost distribuit și în rolul, cu mult mai ingrat ca paletă interpretativă, al Ducelui Surghiunit, se adaugă aceleiași liste de inadvertențe și alegeri regizorale care peticesc canavaua străvezie a structurii spectacolului. La fel se întâmplă și în cazul lui Orlando – Niko Becker sigur pe sine, cu o emoție conținută coerent și intenții suficient de conturate astfel încât să păstreze personajul în zona plauzibilului – care după ce câștigă un rap battle cu rime inventive, turuite cu dicție și flow, în pădure compune versuri de iubire puerile, fără nicio explicație logică.

Cătălina Mihai încearcă să găsească un fir roșu pentru o Rosalinda vitală, copilăroasă, puțin băiețoasă din fire, care experimentează iubirea pentru prima dată, se sperie și se apără prin joaca de-a băiatul cel șmecher. Face tot ce ține de ea pentru a face să funcționeze relațiile scenice și reușește în a doua parte să ducă spectacolul într-o zonă a unui exerciuțiu măcar corect. Singurul moment de emoție îi aparține Silvanei Negruțiu, atunci când Celia încasează cu lacrimi în ochi decizia tatălui de a-i surghiuni verioșoara. Reacția sa încărcată de sinceritate scenică fără nicio ostentație, purtând o forță interioară temperată în forma de interpretare este, poate, singura scenă izbutită până la capăt. Fragmentarea acțiunii cu intrări și ieșiri din scenă aproape civile, cu o tentativă de culise la vedere nedusă până la capăt și cu greșeli de text voit îndreptate de sufleor în ideea de a sugera o repetiție generală, o joacă de-a teatrul, înfrânează, însă, orice posibilitate de performanță autentică. Matei Constantin îl animă pe Tocilă, căruia i s-au atribuit și sarcini de MC, cu o energie molipsitoare și în multe scene pare că el e singurul care chiar crede că poate aduce bucurie și luptă împotriva curentului pentru a crește ritmul întregului construct greoi ce obosește într-un recitativ poticnit; așa cum, de exemplu, celebrul monolog al vârstelor e livrat dulce-sfătos, îngânat cu rimă împerecheată de către un Jacques depresiv și aproape antipatic de către Lucian Ifrim, depășit, parcă, de gloria rolului.

            Cu un final ex machina venit de nicăieri ca mai toate scenele, intermezzo-urile cântate și soluțiile regizorale, “Cum vă place” în regia Andreei Lucaci nu reușește nici să bucure, nici să supere într-atât încât să fie mai mult decât un spectacol cu multe bune intenții, în care se vede cât de mult s-a muncit, demn de a fi apreciat pentru seriozitate și implicare.

Teatrul Bulandra

Cum vă place

de WILLIAM SHAKESPEARE

Distribuție:

MARIA VERONICA VÂRLAN / CĂTĂLINA MIHAI (Rosalinda)

SILVANA NEGRUȚIU (Celia)

FLORIN AIOANE / NIKO BECKER (Orlando)

TUDOR MORAR / MATEI CONSTANTIN (Tocilă / MC)

LUCIAN IFRIM (Jacques Le Beau)

ȘERBAN PAVLU (Frederic Uzurpatorul Ducele Surghiunit)

ȘTEFAN RADU (Amiens / Sir Oliver Prostext / Nobil din pădure / Garda ducelui Frederic)

MANUELA CIUCUR (Adam Zeul Căsătoriei)

MATEI CONSTANTIN / TUDOR MORAR (Silvius Charles / Nobil din pădure)

TEO DINCĂ (Phebe Hisperia)

OANA TUDOR (Audrey Nobil din pădure)

SILVIU GEAMĂNU (Corin Nobil din pădure)

SIMONA POP / DANIEL ACHIM (Oliver)

Regie ANDREEA LUCACI

Scenografie DIANA NISTOR

Lighting design COSTI BACIU

Sound design ADRIAN PICIOREA

Asistent sound design DAMIAN GERARD

Video MIHAI NISTOR

Asistent scenografie IOANA UNGUREANU

Coordonator și textier rap-battle CĂTĂLIN ASANACHE

Traducere ADRIAN NICOLAE

Regie tehnică MIHAELA OANCE

Sufleor ECATERINA COBZARU

foto ANDREI și MARIA GÎNDAC (Two Bugs)

„Anticlimax” – pro-performance

Curajul e acea virtute care te face erou. Prinți în armuri strălucitoare care vântură paloșuri în lupte cu dragoni în basme, soldați care înfruntă armate, sar din avioane fără parașută, super-eroine care zboară cu viteza sunetului sau amazoane călare – figuri de legendă din basme, benzi desenate și filme de acțiune care ilustrează un portret robot generic al insului înzestrat cu un spirit de convervare mai puțin dezvoltat, care, de cele mai multe ori, se sacrifică pentru semeni. Și credem că doar salvând copii din flăcări sau omenirea de la extincție dăm dovadă de curaj. Abia recent discursul în jurul acestei calități s-a nuanțat; într-atât încât sărbătorim curajul de a „face ce simți” sau de „a fi vulnerabil”. De la fapte excepționale până la vulgarizarea și aplatizarea oricărui merit real căzut în derizoriu, curajul rămâne o trăsătură de caracter dezirabilă și evocată des.

            Spectacolul „Anticlimax” de Doru Vatavului, în regia lui Bobi Pricop, montat la Teatrul Dramaturgilor Români este un demers curajos; nu în sens eroic, și nici în sens banal-redundant. Originalitatea sa, echilibrul fin între auto-ironie și statment, pluralitatea tematică și colajul îndrăzneț al mijloacelor spectaculare conferă acestui performance teatral meritul de a nu fi banal, de a propune o receptare nuanțată, cu multe paliere de performanță. Cu o structură mozaicată de rame discursive, demersul scenic pare un constant touch and go pe subiecte profesionale; ca o ședință de acupunctură în care acele abia dacă înțeapă epitelial pacientul, dar vindecă în profunzime.

            Personaul principal, un regizor cu nume și prenume, Bobi Pricop, interpretat chiar de regizorul Bobi Pricop, conduce o repetiție a unui proces montare a unui devised play centrat în jurul problematicii schimbărilor climatice. Jocul inteligent cu clișeele este piatra unghiulară pe care mecanismele dramaturgice funcționează ca un puzzle 3D – de la jocul gros voit din interiorul teaturlui în teatru din scenariul infantil propus de actrița principală, interpretată de Maria Moroșanu, la inside jokes și glume auto-referențiale, de la atitudinea duală a regizorului condescendent în raport cu echipa și forțat-relaxat, doct și afabil în declarațiile oficiale sau la propunerile „la prima mână” din cadrul procesului creativ, întreg spectacolul speculează cu mult umor și spirit critic amical-constructiv multe dintre subiectele de discuție din jurul peisajului teatral actual.

Ca într-o farsă declarată, protagoniștii se pun la dispoziția acestor interogații deloc confortabile și preiau în nume propriu criticile recurente aduse modalităților de joc și montărilor contemporane. Vlad Pânzaru e actorul comic cu suflet mare, care și când se ia în serios nu poate renunța la cioace inocente mai mult sau mai puțin reușite, Dan Pughineanu e actorul care se cenzurează și se comentează de unul singur pentru că nu e implicat în proiect, Adrian Ban e actorul proactiv care pune suflet dar exagerează cu formalismul interpretării, Ama Beschieru e actrița cu multe calități, inteligentă, care nu e niciodată ascultată până la capăt, Maria Moroșanu e actrița care vrea să își demonstreze talentul cu orice preț, cu o determinare soră cu disperarea, iar Anamaria Codiță e personajul care se desprinde de convenția generală și devine această metaforă a method actingului, trecută cu vederea constant, care poartă, însă, cea mai sinceră emoție și devine contrapunctul care echilibrează și aduce profunzime.

            Bobi Pricop nu se joacă pe sine, așa cum cu ușurință putem fi tentați a crede. Repetiția ostentativă a numelui său și multiplicarea fizică, aproape egocentrică, din final a eu-rilor sale sunt indicații de cod suficiente pentru a înțelege intenția de a subsuma acestui „Bobi Pricop” generic toate tarele imputate regizorilor în corpore. De la ticuri verbale precum scuzele repetitive și goale, la atitudinea superioară mascată de politețe formală, la monologul auto-biografic lacrimogen spus la microfon cu fundal sonor apăsător și poze din copilărie, până la expresiile-clișeu din declarațiile de presă și căutările artistice contorsionat-intelectualo-căutate, personalitatea personajului fictiv Bobi Pricop reunește majoritatea minusurilor de care regizorii sunt susceptibili. Curajul e a sta tu însuți pe scenă, cu numele tău, asumându-ți acest alte-ego este real. Intervine, desigur, și discuția plauzibilă despre un posibil hybris pe măsură. Echilibrul perfect, însă, între simplitatea jocului aproape civil, pigmentat cu clișee plasate ca pe un grafic atent studiat, îl ține departe de orice suspiciune de grandoare și îl menține în zona de asumare lăudabilă.

            „Anticlimax” nu e un  eco-spectacol care dezbate pericolul schimbărilor climatice, la fel cum nu este încă o meloc-dramă auto-referențială care ridică un colț de cortină pentru a putea privi în culisele vieții în teatru. Textul lui Doru Vatavului are calitatea de a conține un mănunchi de chei de interpretare și de a plasa inteligent semne de întrebare cu diverse intonații despre multe subiecte pe care fiecare alege cum și în ce fel le poate adresa. E haios să te amuzi de propunerile hilare și de superficialitatea artiștilor care încearcă să facă artă din traume personale, pe marginea unei teme care le e, de fapt, străină și deloc stringentă. E la fel de amuzant ca regizorul să  își deconspire la vedere dualitatea și să își autodenunțe superioritatea și superficialitatea. Dar, dincolo de glume despre Gala UNITER și Grupul de Facebook „Mergem la teatru”, rămâne metafora supei de roșii aruncate pe tabloul lui Van Gogh care în ultimele secunde ale spectacolului capătă o reinterpretare ce pică greu în translatarea sa în artele spectacolului. Cât de mult preț punem noi, cei din interiorul profesiei pe artist, cât de mult pun spectatorii care aleg să plătească pentru artă și cât contează, de fapt, artistul pentru ceilalți, majoritatea oamenilor care nu consumă defel acte artistice?

            Paradoxul „Anticlimax”ului, așa cum o prevede și definiția cuvântului însuși, reușește să reconcilieze inteligent și cu sens direcțiile antagonice ale aparențelor superficiale și profunzimea mesajului dispersat ca printr-o prismă în fascicule subțiri dar intense. E reconfortant să dibuiești ițele care se înnoadă încâlcit pentru ca apoi să îți alegi propriul fir roșu care te va scoate din labirintul în care nu pândește niciun minotaur, ci un regizor anti-erou și un dramaturg-călăuză ce au avut curajul de a propune un altfel de joc de-a teatrul, revalorizând „asumarea” și „vulnerabilitatea”.

Teatrul Dramaturgilor Români

ANTICLIMAX

de: DORU VATAVULUI

regie: BOBI PRICOP

scenografie: RAUL CIOABĂ

muzică & video design: iRONIC DISTORS

lighting design & regie tehnică: MIHAI ELIAN CULIȚĂ

operare lumini: DRAGOȘ RĂDĂCINĂ

operare sunet: COSMIN BĂIȚĂ

operare video: DAN GHEORGHE

cu:
ADRIAN BAN
AMA BESCHIERU
ANAMARIA CODIȚĂ
MARIA MOROȘAN
VLAD PÂNZARU
BOBI PRICOP
DAN PUGHINEANU

Photocredit: ANASTASIA ATANASOSKA

„Șapte minute după miezul nopții”, „Pădurea asumaților”, „Billy Șchiopul”

Alina

Basmele, coșmarurile și viața reală se amestecă într-o suită de întâlniri întunecate pentru un puști a cărui forță de a înfrunta moartea mamei transformă întreaga experiență într-un vis treaz; aceasta e premisa spectacolului „Șapte minute după miezul nopții”, dramatizarea Mihaelei Michailov după romanul „A Monster Calls” de Patrick Ness, după o idee originală de Siobhan Dowd, în regia lui Bobi Pricop, la Teatrul Excelsior.

Atmosfera angoasantă din micro-universul interior al personajului principal, Conor, interpretat de Alex Popa, e susținută de augmentarea senzațiilor sonore prin impactul direct al receptării auditive exclusiv prin intermediul căștilor primite la intrarea în sală. Apropierea intimă de personaje, șoaptele potențate, efectele distorsionante, fluidul de zgomote, note șuierate, accente, sonorități ale muzicii originale semnate de Eduard Gabia și Călin Țopa ce curg amenințător acopmaniind parcursul acțunii alcătuiesc acest personaj omniscient cu viață proprie – universul sonor. E foarte personală această adresare de aproape ce provoacă tensiune și îți responsabilizează concentrarea.

Unul din meritele spectacolului e felul în care include acest efect conferit de tehnologie. Bobi Pricop nu pică deloc în capcana seducătoare a mijloacelor tehnice care pot cu ușurință subjuga un produs artistic. Povestea nu mizează exclusiv pe impactul de efect asupra auzului. Detaliile de joc, eclerajul, relațiile din personaje, subtilitatea emoției combinată cu scene de forță creează contururi bine reliefate, completate, doar de ambientul sonor. Ce auzi devine, practic, o lupă în receptare și nu singurul punct de interes.

Photo: Volker Vornehm

Controlul emoțiilor, fragilitatea cu armătură de stăpânire de sine pe care Alex Popa o modelează în diverse ipostaze ale fricii devin punctul de fugă al întregului spectacol. Mama, interpretată rafinat și nicio clipă melodramatic de Oana Predescu aduce în scenă emoția paradoxală a speranței; ultimele resurse de vitalitate ale acestei femei devorate de boală devin fasciculul de lumină ce încălzește orice interacțiune, ancora de iubire și rațiune. Iar Monstrul, acest alter ego al fricii-speranței-rațiunii se transformă din reprezentarea fizică a terorii și angoaselor în companionul ce poartă de grijă sufletului aflat în cea mai chinuitoare durere. Cu spirit ludic și o fizicalitate armonizată cu libertatea absolută pe care o întrupează, Marius Turdeanu stăpânește în cele mai articulate expresii scenice această ființă imaginară antropomorfizată prin umanitatea sa.

Adriana

Lecțiile de feminitate universală și masculinitate suverană garantate de influenceri online și aplicate la adăpostul refugiilor spirituale ascunse de priviri curioase sunt subiectul în jurul căruia e construit spectacolul „Pădurea asumaților” de Alexandra Felseghi, în regia lui Andrei Măjeri, la Teatrul „Matei Vișniec” din Suceava. Scenariul folosește clișee recognoscibile pentru oricine a ascultat podcasturi, vloguri sau streaminguri dedicate practicilor ezoteroci-spirituale ce promit transformarea oricui în cea mai bună variant a sa. Bazându-se pe ironie și personaje conturate destul de superficial în jurul unor trăsături dominante singulare, comicul derivă din absurdul interacțiunilor formale dintre maestru și adepți.

Fără a sonda mai departe de stratul epitelial oferit de pretext, spectacolul urmărește un parcurs liniar, cu puține surprize sau scene de vârf. Miza pare a fi doar expunerea acestor practici din ce în ce mai atrăgătoare pentru cei debusolați și grabnic doritori de rețete pentru auto-perfecționare. Experiența vizionării e lejeră și amuzantă, iar confruntarea cu personaje ficționale atât de asemănătoare cu cele din viața reală devine o întâlnire cu haz, ce pune în perspectivă realitatea imediată.

Actorii urmează unitar un stil de joc echilibrat între caricatură și autenticitate. Clara Popadiuc este cea care nuanțează cel mai atent delirul mistic mincinos al femeii-șaman care promite evoluție spirituală prin eliberarea divinului feminin. Răzvan Bănuț are lejeritatea improvizațiilor și știe cum să dozeze exact reacțiile și relațiile în scenă pentru a obține efectul comic dorit. Nu pare a rămâne prea mult loc pentru performanțe individuale în sceastă structură ce urmărește fidel discursuri și comportamente atât de prezente și suficient de absurde din viața reală.

Există o sumă de citate ironice și trimiteri la efecte scenice ce pot fi asociate cu o revizitare a temelor folosite abundent în ultimii ani pe multe scene din țară. Aceste inserturi par integrate asumat și inteligent în estetica spectacolului și devin Easter eggs de efect pentru cei care le recunosc. Comentariul artistic pe marginea vânzătorilor de iluzii contemporani rămâne la stadiul de oglindă ce devoalează micimea personajelor reale, fără a sonda mai profund tema propusă.

Epîngeac

„Billy Șchiopul” de Martin McDonagh, în regia lui Vlad Massaci, la Teatrul de Comedie este un spectacol ce mizează pe farmecul actoricesc pentru a spune o poveste tristă, plină de umor. În scenografia expresivă, bogată în detalii, creată de Iuliana Vâlsan, insula irlandeză devine o lume cuprinsă între catrafuse vechi, sertare prăfuite, vise neîndrăznite a fi visate și o naivitate duioasă a unei existențe mărginite de ape.

Povestea personajelor ciudate care găsesc fericirea în micro-cosmosul bizar definit de știri bombă despre gâște și pisici, cruzimea destructivă a ouălor sparte și contemplarea vacilor pe câmp e spusă cu răbdare și ritmul bine articulat al poantei calculate. Are multă căldură această tramă neobișnuită despre un orfan care visează la faima Hollywoodului în ciuda dizabilităților fizice. Două mătuși prăpăstioase îi poartă de grijă, o vecină băiețoasă îl șicanează destul de abuziv și un jurnalist local vorbăreț îi salvează viața în secret. Efectele comice sunt folosite abundent și variază în eficiență în funcție de moderația fiecărui interpret.

Bogdan Cotleț (Billy) păstrează o linie firească, rațională, reacționează lucid și devine contrapunctul de normalitate, pradoxal, în ciuda defectelor fizice prin care e prezentat personajul. Dorina Chiriac (Eileen) și Emilia Popescu (Kate) sunt binomul de emoție și candoare ce cocoloșesc cu grijă maternă odorul adorației lor. Firesc și simplu, interpretează bogat motivațiile acestor mătuși-arhetip, păstrând echilibrul tragi-comic plin de umanitate. Ilona Brezoianu (Helen) și Ștefan Voicu (Bartley) sunt cuplul comic perfect armonizat care se completează cu haz și delimitează linia fină dintre umor și caricatură. Sandu Pop (Mammy) realizează o compoziție în travesti fără ostentații, punctând precis fiecare intervenție ce stârnește râsul prin spiritul său ludic. Cel care dereglează congruența acestui ecosistem scenic e Marius Florea Vizante (Johnnypateenmike). Egoul său depășește limitele rezonabile ale personajului și se arată mai mult decât ar fi necesar pe sine, în detrimentul acurateții interpretării; agitat formal, joacă făcând, parcă, abstracție de parteneri și livrează monoloage imprecise pe care le suprasolicită ostentativ.

„Billy Șchiopul” e un spectacol-poveste ce oferă actorilor și publicului ocazia unei întâlniri în care emoția și comedia se completează și stârnesc nu doar hohote de râs în sala de spectacol, ci și teme de reflecție pentru mai târziu.

https://www.teatrulmateivisniec.ro/ro/repertoriu/padurea-asumatilor/

Părirismul fără profesor şi (in)utilitatea criticului de teatru

Plăcerea de a viziona spectacole de teatru pare a fi devenit „full time job” pentru mulți pasionați. Efervescența discuțiilor din jurul premierelor, bătăliile la toartă pentru un loc în sală, topurile personale, entuziasmul din timpul festivalurilor, acest FOMO teatral colectiv pare un fenomen în plină expansiune. Evenimente sold out, artiștii sunt din ce în ce mai aproape de public, spectacolele au devenit prilej de întâlniri, iar mediul teatral a ieșit din inerția barierelor dintre scenă și sală. Odată cu dărâmarea soclurilor, distanțele dintre rolul de creator și cel de spectator s-au diminuat; statuile cu frunți de granit admirate contemplativ au devenit parteneri de dialog. Dar cum nu doar în muzică, ci și în teatru, tonul e cel care definește deopotrivă și o simfonie armonioasă a schimburilor de replici constructive, dar și o cacofonie stridentă de disonanțe umorale, e nevoie de o ureche muzicală echilibrată în exprimarea opiniilor. De la părere la scandal e doar un pas atunci când egoul surd se încăpățânează să fie suveran. E păcat să transformăm creaţiile artistice în pretext pentru nevoia fiecăruia de afirmare, vizibilitate şi validare.

Bunăoară, există, încă, recurent adusă în discuție, (in)utilitatea criticului de teatru. De ce (mai) există? Acest personaj pare desuet și nostalgic-patetic, nu-i așa, acum când exprimarea libertină de-a dreptul a părerii personale a devenit normă. Aproape că te simți obligat să emiți instantaneu un panseu „critic” pentru a certifica prezența ta în sala de spectacol. Nu postezi/ nu comentezi, primul dacă se poate, nu exiști ca spectator. A se observa, însă, diferența dintre părere/opinie/analiză/judecată de valoare. Toate sunt necesare pentru o imagine cât mai variată a fenomenului. Nu sunt, însă, toate una și aceeași. Dreptul la părere clamat ca intangibil în virtutea achiziționării biletului nu înseamnă o supremație ce subordonează faptul artistic spectatorului-stăpân. Dacă îți place sau nu ceea ce primești în schimbul investiției materiale nu echivalează cu dreptul de a ocupa un scaun în sala de spectacol pentru un interval de timp – de fapt, acest loc în timp și spațiu e inclus în prețul de achiziție. Nici atunci când cumperi un aspirator nu primești altceva decât obiectul în sine; dacă e sau nu pe măsura așteptărilor și necesităților tale vei afla abia după întrebuințare. A te supăra că nu îți place spectacolul, deși ai plătit bilet e ca și când te superi că nu poți să gătești sarmale la aspiratorul abia cumpărat. Opinia este calea cea mai onorabilă prin care expresia aprecierii sau a dezacordului devine un spațiu al dialogului. Cu mai puțină patimă, cu mai mult accent pe obiectivare și mai puțin pe sinele exaltat sau înfuriat, opinia presupune un echilibru al discursului. Și, mai ales, acea doză homeopatică de îndoială carteziană care lasă loc opiniei contrare. Putem avea opinii diferite fără să ne urâm din cauza lor. Ce e cel mai confortabil e că opinia nu necesită obligatoriu și o motivație stufoasă. Asta crezi, asta simți, asta susții. Și o poți face elegant, fără să fie nevoie de aparat critic ori demonstrații elaborate.

(In)utilitatea criticului intervine atunci când opinia necesită nuanțare prin analiză și judecată de valoare. Atunci când „m-a impresionat o scenă, dar nu știu să explic de ce” nu mai e suficient pentru a confirma/infirma calitatea actului artistic. Dacă e sau nu nevoie de această explicare aplicată pare a fi un subiect pentru o altă povestire. Deocamdată artiștii par a avea în continuare obișnuința de a căuta repere în astfel de motivații mai complexe decât bucuria/întristarea adusă de sintagme fugitive. Criticul dat și el jos din turnul de fildeș al unei autorități formale, devenit partener de dialog, observator obiectiv prin etica profesională și subiectiv-ponderat, totodată, datorită curiozității de spectator dedicat, este (in)util tocmai pentru a păstra acest echilibru în ecosistemul teatral.

Atunci când părerile zboară bezmetice și bulversează și scena și sala, uneori ajută să existe borne-reper care să tempereze entuziasmele și încrâncenările sau, dimpotrivă, să le sublinieze. Unanimitatea știm că e periculoasă, iar în artă poate echivala cu plafonarea. Spiritul contradictoriu doar de dragul excentricității își are și el meritele – e nevoie de un villain pentru ca super-eroul să își merite gloria. E necesar, totuși, să știm ce rol jucăm și să nu ne visăm Captain America arunci când, de fapt, suntem The Penguin. Poate singurul personaj prea puţin relevant e Grinch-ul care se înverşunează în supărări răsfăţate şi fură atenţia – precum originalul Crăciunul – divagând sensurile de la esenţial, în volute egoiste. Criticul de teatru nu e infailibil; nicio voce din sfera analizelor profesioniste nu mai poate pretinde azi a fi, de una singură, purtătoare a unei autorități incontestabile, unanime, pe care să o revendice în nume propriu. Și e bine să fie așa. Anularea totală, însă, a spiritului critic și diluarea lui în varii forme atenuate de evitare a responsabilității e la fel de neoportună.

Toți Penguins și Jokers ce gravitează în sfera profesională a analizelor ce depășesc opiniile inocente devin pe rând Batman și Wonder Woman – de la prima cronică favorabilă până la prima cronică numită generic „de rău”. Cel mai important rămâne să știm cine suntem când dăm jos costumul și ștergem machiajul. Nu salvăm lumea (teatrală) nici cu postări și comentarii, nici cu articole, nici cu volume întregi – o însoțim, o punem în context, o valorizăm și, cel mai important, îi aparținem și evoluăm odată cu ea. Iar din când în când, cu toții avem nevoie să fim salvați; uneori chiar de noi înșine.

Când Demi Moore e mai de speriat decât „Nosferatu”

Photo: MUBI

Bau! Ne place să fim speriaţi în sala de cinema. Cu popcorn, şi nachos, şi suc mai scumpe decât biletul abia aşteptăm să ne treacă fiori reci şi să ne zboare din cutii floricelele în toate zările când jump scare-urile se năpustesc asupra noastră. Cultura filmelor horror a câştigat mereu teren şi a devenit acel „acquired taste” pe care spectatori din segmente variate îl tot degustă satisfăcând orizonturi de aşteptare diferite; de la adolescenţii temerari care se mândresc de isprava de a nu se fi temut la cele mai comerciale sperietori cinematice şi până la cunoscătorii rafinaţi care decelează subgenuri şi se delectează analizând complexitatea presiunii psihologice angoasante din filmele de artă ale categoriei. Spaima de ficţiune a devenit tot mai căutată odată ce fricile personale s-au nuanţat şi anxietăţile de încă şi mai multe feluri coabitează cu indivizii însinguraţi în realitatea nepăsătoare la dramele noastre.

La început de an, după ce am fost „mai buni” de Crăciun şi am sărbătorit copilul din noi bucurându-ne de cadouri şi brazi împodobţi, se pare că aveam nevoie de o dozǎ de întuneric şi grotesc pentru a ne aduce aminte că luma e mai puţin colorată decât beteala şi globurile. Cele mai anticipate filme horror au intrat în cinematografe unul după celălalt: „Nosferatu” în regia lui Robert Eggers, cu Bill Skarsgård în rolul titular şi „The Substance”, regizat de Coralie Fargeat, cu Demi Moore şi Margaret Qualley protagoniste. Un clasic ce aduce tribut romanului gotic şi originalului, devenit reper şi film-cult, al lui Murnau şi o distopie sience fiction care comentează prin prisma body horror-ului paliere sociale actuale. Primul apreciat şi lăudat, al doilea discutat şi întors pe toate feţele potenţialelor reverberaţii ale mesajului meta-artistic.

Cele două filme au în comun atenţia dedicată esteticii. Imaginea şi atmosfera sunt pietrele unghiulare pe are se construiesc cele două metafore atât de diferite. Culorile desaturate, simeria, clar-obscurul, tonurile de întuneric, umbrele, planul detaliu, panoramarea, răbdarea devoalării chipului Contelui Orlok pentru a menţine suspansul şi frica de necunoscut compun tablouri kinetice impecabile care devin cel mai mare merit al variantei „Nosferatu” 2024. În „The Substance”, plastifierea excesivă, stereotipurile, clişeele industriei showbiz, stridenţa, superficialitatea, atenţia excesivă acordată trupului feminin privit ca obiect al dorinţei sexuale, ralantiul, culorile fosforescente şi pestriţe, întreg arsenalul folosit în publicitatea agresivă a deceniilor recente creează un univers perfect recognoscibil, aproape la fel de înspăimântător şi grotesc prin cinism precum transformarea eroinei.

De ce, însă, ne-am speriat mai puţin de ne-mortul care aduce cu sine ciuma şi devorează spiritul decât de femeia speriată de ameninţarea propriei decăderi fizice şi sociale? Poate, pentru că ne recunoaştem mai degrabă în ea şi fricile noastre au mai multă legătură cu propria dorinţă de relevanţă eternă decât cu viaţa nesfârşită şi chinuită a unui cadavru care ucide animalic pentru a se hrăni. Pe Nosferatu îl îndrăgim; îl cunoaştem. Aproape îl compătimim. Simţurile îi sunt trezite de chemarea de peste mări şi ţări a unei domnişoare căreia nu îi poate rezista şi de aici drama. Cu Elisabeth cea de 50 de ani care a strălucit în industria fitness-ului televizat zeci de ani şi e concediată abrupt doar pentru că nu mai are 20 de ani facem cunoştinţă în primele minute ale filmului, însă îi recunoaştem fricile pe care le vedem zi de zi reflectate în oglinda noastră din baie. Nosferatu e un basm de demult, Elisabeth e o posibilitate din prezent.

În filmul lui Robert Eggers personajul principal nu e neapărat contele întunecat, ci Ellen Hunter, interpretată de Lilly-Rose Depp. Eternul feminin inconştient de forţa de seducţie pe care o exercită inocent şi care la capătul drumului său iniţiatic se sacrifică în deplină cunoştinţă de cauză pentru a salva o lume guvernată de bărbaţi încorsetaţi la propriu şi la figurat în neputinţa spiritului lor practic şi a bravadei sterpe. „Nosferatu” devine, din această perspectivă, un manifest feminist fără a bate prea mult moneda pe marginea problemei; simplu şi eficient. „The Substance”, pe de altă parte, mizează tocmai pe empowermentul pe care mişcarea feministă îl caută în orice produs artistic ce are în centru personaje feminine. Se face sau nu dreptate imaginii femeii, manipulate de voinţe masculine de-a lungul timpului? Apăsând atât de hotărât pedala acestui palier de interpretare a metaforei din spatele imaginilor şocante controversa devine inevitabilă; ca în orice situație dusă la extrem.

Obsesia acestui personaj unilateral, caracterizat superficial doar prin identificarea cu trupul său, nu e căptuşită şi de alte teme ce ar putea oferi mai multă profunzime acţiunilor sale şi dirijează atenţia într-o singură direcţie, în timp ce spectatorul poate fi tentat să îşi îngusteze orizontul de receptare al filmului „The Substance”. Dincolo de drama degradării corpului şi de frica de îmbătrânire, Coralie Fargeat vorbeşte despre o frică încă şi mai relevantă. Poate nu toţi suntem la fel de impacinetaţi de riduri şi efectele pe care gravitaţia le lasă pe trupurile noastre precum vedetele de la Hollyood care se mumifiază de vii în încercarea de a păstra aceeaşi imagine care le-a adus gloria. Nu toţi suntem influenceri care îşi fac probleme că au apărut în aceeaşi ţinută în două live-uri la rând. Avem, însă, cu toţii o preocupare comună: relevanţa. Ce plus valoare aducem lumii – fie că e vorba despre mari realizări profesionale sau familiale, cu toţii avem înscrisă în gene această grijă pentru moştenirea pe care o lăsăm; urma trecerii noastre pe lume. Iar frica de a fi uitat sperie la fel de tare şi o fostă glorie a showbizz-ului ce e dispusă la autodistrugere pentru apogeul punctelor de rating, dar şi pe bunicul uitat de nepoţii ocupaţi să lase propria amprentă asupra lumii, rămas fără prietenii care au murit înaintea lui. Dincolo de gore şi body horror, de crescendo-ul, gradat exemplar, al absurdului monstruozității care abia în ultima formă a degradării devine emoţionant şi sensibil, dincolo de trimiteri evidente la imagini sau situaţii din filme-cult precum „La grande bouffe”, „Kill Bill”, „Carrie”, „Death becomes her”, de inserţii de comic relief, de ironii auto-reflexive la adresa industriei cinematografice, de tot ambalajul poleit atent, stă acest dram de relevanţă unanim valabilă: nu frica de bătrâneţe sau comentariul evident despre obsesia deraiată pentru perfecţiunea corporală, ci preocuparea constantă pentru relevanţă într-o societate cu memorie înspăimântător de scurtă. „The Substance” se revendică a fi un manifest feminist mai mult decât este de fapt şi consistenţa pe care o conţine se diluează în dezbateri pe teme parazitare. La fel cum „Joker 2: Folie à deux” are marele merit de a fi devenit la fel de contestat în viaţa reală precum eroul său Arthur Fleck ce cade în dizgraţie odată ce nu mai livrează publicului masca îndrăgită iniţial, acestă „substanţă” ce vinde vise la fiolă ascunde efecte adverse declanşate de acţiunile personale ale celui ce o întrebuinţează. E fascinant cum meta-implicaţiile unei opere de artă cinematografică depăşesc filmul în aceeaşi manieră în care trama ficţională îşi afectează personajele.

Photo: MUBI

            Între basmul gotic superb vizual şi science fictionul grotesc spaimele fiecăruia se pot activa în funcţie de universul interior al subconştientului populat de frici bine ascunse. Un vampir cu mustaţă ce devorează pieptul unei tinere într-un gest de dublu martiraj în razele răsăritului poate fi, însă, la fel de emoţionant precum un monstru îmbrăcat în rochie amplă, în lumina reflectoarelor, pe o scenă, în faţa publicului, pentru cele cinci minute de faimă. Depinde, doar, de ce ne temem,  individual şi ca societate, atunci când privim oglinda pentru a şti ce ne sperie, de fapt.

Fericirea din rândul 4, locul 4

5,4,3,2,1…La mulţi aaaani! Şi ne îmbrăţişăm, şi ne urăm unii altora de bine, unii pocnesc petarde, fumul gros al artificiilor lansate din balcoane se amestecă în ceaţa groasă, ne sunăm familia, ardem liste cu dorinţe, aruncăm orez peste umăr, mâncăm peşte, deschidem răvaşe din plicurile chinezeşti aurii, ciocnim şampanie în pahare de cristal sau de hârtie; sărbătorim. Apoi ne luăm angajamente solemne faţă de noi înşine – fie afişate public, fie intim ştiute doar de noi. Dar cu toţii profităm de începutul de an pentru a ne promite câte ceva – ce considerăm important pentru noi. Unii renunţă după câteva zile, alţii uită imediat ce au primit recunoaşterea vizată prin „Like and Share”, alţii chiar se ţin de cuvânt.

Ce e cu adevărat important, însă? Ce contează, de fapt? Şi de ce avem nevoie de borne demarcate calendaristic pentru a schimba ceva în bine? Din comoditate, de frică, din obişnuinţe pe care nici nu ştiam că le avem, pentru că e un trend, pentru că dă bine; fiecare îşi are motivele lui. De cele mai multe ori, însă, se poate dovedi a fi mai important să continui. Pur şi simplu să mergi mai departe păstrând ce e bun, să rafinezi părţile care necesită îmbunătăţiri şi să ai luciditatea de a recunoaşte ce nu funcţionează defel. Atât. Pare simplu. Dar e cam greu, nu?

Listele şi clasamentele, retrospectivele, topurile, competiţiile pe care le avem inconştient cu noi înşine sau declarate cu „adversari” pe care trebuie, pur şi simplu trebuie să îi depăşim, noi ţinte către care tindem, dorinţe ce trebuie, obligatoriu – trebuie împlinite, un carusel de idei ce se cer a fi puse în practică, versiuni din ce în ce mai bune ale sinelui nostru dezorientat între atâtea şi atâtea posibilităţi de devenire – şi apoi, brusc, spunem „Stop!”. E nevoie doar de un mic răgaz pentru a opri fluxul adrenalinei ce se revarsă doar la gândul atâtor şi atâtor activităţi obligatoriu de îndeplinit pentru a obţine fericirea pe care o credem, doar, a ne aştepta la capătul unui lung şir de acţiuni complicate.

Când e linişte, cu adevărat linişte, când respiraţia şi pulsul nu se grăbesc nicăieri, când niciun deadline nu ameninţă şi niciun selfie nu trebuie postat pentru a certifica o clipă de bucurie stereotipă, atunci avem şansa de a afla adevărul simplu despre fericirea noastră. E foarte posibil să fie ceva mărunt; la fel de plauzibil e să descoperim că eram deja fericţi, doar că eram prea ocupaţi să ne dăm seama de asta. Desigur, se prea poate şi să ne identificăm fericirea într-un scop imposibil de realizat sau să ne fie sinonimă tocmai cu această vrie fărădecare nu mai ştim cum să ne comportăm. Fericirea e extrem de personală; de intimă chiar. Bucurii avem multe şi comune, identificăm uşor câteva motive generice care ne fac bucuroşi pe cei mai mulţi dintre noi. Bucuriile sunt mai previzibile. Şi, poate tocmai din acest motiv, se multiplică la plural. Fericirea, însă, e mai subtilă.

Am avut şansa mirabilă de a surprinde o improbabilă ocazie de a-mi recunoaşte fericirea unde uitasem că o regăsesc mereu: în sala de teatru. Obişnuinţa e un adversar redutabil al sentimentului pe care îl râvnim cu toţii. Am avut nevoie de distanţă şi pauză pentru a recunoaşte, din nou, cea mai simplă cale spre fericire; după 18 zile, când m-am aflat din nou pe un scaun, în siguranţa întunericului sălii, urmărind povestea de pe scenă, am tras adânc aer în piept şi am ştiut pur şi simplu că sunt acolo unde îmi este locul. Uitasem emoţia pregătirii pentru întâlnirea cu spectacolul, drumul până la teatru, rumoarea foyerului, ritualul formal al acestei comuniuni devenite a doua natură. Cu atenţia deplină oferită actului artistic, cu simţurile alerte pentru a recepta propunerile spectaculare ale acelui „aici şi acum” irepetabil, cu toate mijloacele profesionale la parametri optimi, pe dedesubtul celor mai comune acţiuni antrenate în ani de experienţă a apărut această recunoştinţă solară în faţa fericirii.

Profesia, pasiunea, hobby-urile sunt lucruri diferite. E reconfortant să te bucuri ocazional de interacţiunea socială oferitǎ de o seară de spectacol. E şi mai plăcut să dezvolţi o pasiune pentru obiceiul de a viziona spectacole. E cu adevărat un noroc să ai o profesie care îţi permite să profiţi de ceea ce te pasionează. Când, însă, îţi regăseşti fericirea, pe care dealtfel nici nu o căutai în practici spirituale sau experienţe învăţate din cărţi şi nici nu o planificaseşi în paşi riguroşi enumeraţi ordonat la început de an, ştii că ai primit un dar. Desigur, ar fi pueril să credem că fericirea e ca în basme şi durează „până la adânci bătrâneţi”. E, mai degrabă, un loc sufletesc pe care odată ce îl dibuim îl putem vizita pentru a ne lua resursele necesare acelui mers mai departe. Există în noi, sub multe idei bune ce aşteaptă să fie puse în practică, dorinţe ce trebuie împlinite orice-ar fi, frici, termene limită, probleme neaşteptate şi multe, multe, multe „chestii” care se numesc banal „viaţă”.

Din când în când, însă, când prindem curajul de a opri clipa şi spunem „Stop!”, e bine să ştim fiecare unde să ne căutăm fericirea. Suntem norocoşi cei care am avut şansa întâlnirii cu ea; poate fi oriunde. Pentru unii poate e chiar pe lista de schimbări de la începutul acestui an. Pentru alţii poate fi însăşi lista de taskuri primită pe mail. Pentru alţii … cine ştie? Pentru mine e scaunul din sala de teatru ce poartă numărul şi rândul înscrise pe un nou, şi nou, şi nou bilet; de această dată: locul 4, rândul 4.

„Mary Stuart” şi Elisabeth I vs umanitate şi monumentalitate

Dualitatea ne este mai proprie decât ne place să recunoaștem. Un pic de ipocrizie, un strop de dublă măsură, o urmă de invidie în spatele aprecierilor, yin şi yang, lumină şi întuneric, viaţă şi moarte – echilibrul nu poate exista decât între contraponderile antagonice ale destinelor imperfecte. Tema binoamelor ce ne dispută conştiinţele pe tabla de şah a strategiilor morale depăşeşte în profunzime lupta arhetipală dintre Binele şi Răul generice. Modelul microuniversurilor noastre interioare scindate de alegeri luate în numele liberului arbitru supus îndoielii reproduce la scară intimă macro-cosmosul pigmentat cu nuanţe întrepătrunse de greşeli şi virtuţi. Gândirea critică în interiorul acestui mecanism pare a fi singurul fir roşu călăuzitor printre capcanele inerente, iar piedicile odată depăşite deschid calea către cunoaşterea de sine necesară devenirii de sine.

Spectacolul „Mary Stuart” de Robert Icke, montat de Andrei Şerban la Teatrul Naţional „I.L. Caragiale” din Bucureşti este centrat în jurul dualităţii explorate în multiple faţete. Cele două protagoniste au statură de eroine de tragedie antică supuse hybrisului, liberului arbitru şi vinei tragice. Două ipostaze feminine complementare îngemănate într-un destin supus unui patriarhat cu sânge rece stau faţă în faţă, despărţite de oglinda ceţoasă a istoriei. E monumentală această punere în scenă a luptei pentru putere – un parcurs intens şi aproape fără niciun răgaz de repliere în faţa ciocnirilor violente de orgolii şi personalităţi impozante în plină desfăşurare. Nu există respiro în bătălia pentru viaţă dusă sub roata dinţată a unui destin de neoprit. O atmosferă densă, în care demnitatea şi eleganţa sunt aliatul ambelor combatante, iar slăbiciunile fiecăreia conferă umanitatea necesară empatiei. Ambele victime, ambele vinovate – prin naştere şi prin rang, prin ambiţie şi prin pasiuni lumeşti; două regine, două femei se războiesc între ele, pentru a câştiga, de fapt, lupta cu o lume cu o voinţă masculină brutală şi injustă.

Decorul construit de Helmut Stürmer în jurul unei structuri piramidale aztece, sugerează elegant ascensiunea şi căderea la fel de bruşte către un tron situat pe un vârf instabil. Rotirile de turnantă ce schimbă căile de acces către acest pisc simbolic şi dinamismul traseelor din scena golită de elemente decorative oferă tablouri cinetice de impact, sub aceeaşi morgă a solemnităţii potenţată de lighting designul semnat de Cristian Niculescu. Costumele create de Corina Grămoşteanu au personalitate şi conferă prin rafinamentul materialelor şi croială un plus de prestanţă şi caracterizează precis personajele. Sound designul semnat de Liviu Stoica şi video designul conceput de Andrei Cozlac devin în câteva momente redundante, subliniind deloc necesar importanţa unor scene sau replici prin prezenţa prea ostentativă în raport cu intensitatea deja înaltă a jocului actoricesc. Picăturile ritmice cu sonoritatea unui joc de ping pong sau zgomotele industriale amestecate cu sunete de blitz căptuşesc suficient de relevant atmosfera încărcată, fără a mai fi nevoie de alte accente care să atragă atenţia ca semne de exclamaţie punctate în acvaforte. În aceeaşi categorie a exceselor se încadrează şi unele gesturi bruşte, executate formal de actori, care descriu exterior emoţii puternice care nu mai au nevoie de încă un strat de expresie scenică. Poate cel mai evident adaos ce supraîncarcă structura este inserţia naraţiunii din off; o voce feminină neutră (posibil aparţinând regizorului asociat Dana Dima) explică brechtian ce gândesc personajele sau comentează obiectiv precum un psihanalist contemporan acţiunile pe care tocmai le urmărim. Total anti-climatic, posibil voit pentru a contrabalansa paroxismul temperaturilor înalte din interpretarea actorilor, acest metalimbaj trunchiază emoţia şi diminuează efectul deznodământului impresionat construit prin acumulare.

Andrei Şerban a optat fericit pentru un joc actoricesc lipsit de plasă de siguranţă; în plin, vulnerabili în faţa propriei expresivităţi, cu ferocitate şi o tehnică ce necesită multă motivaţie interioară pentru a susţine o monumentalitate altfel artificială, actorii reuşesc performanţa unei interpretări unitare, fără excese personale, cu o intensitate neobosită, păstrată în parametrii credibilului şi necesarului, perfect acordaţi la situaţiile de joc asamblate ca suită de implozii controlate la intervale atent calculate. De la vria fricii paralizante a lui Ciprian Nicula (William Davidson) la frustrarea explozivă a lui Marius Bodochi (Lord Talbot), de la omenia revoltată a lui Mihai Călin (Paulet) la sârguinţa ambiţios-energică a lui Conrad Mericoffer (Lord Burleigh) – o panoplie complexă de expresii virile ale voinţei masculine se desfăşoară deplin. Emilian Oprea (Contele Leicester) are carisma rasată a dualităţii între interes şi pasiune – dansul său triumfal este expresia eleganţei pe care o foloseşte pentru a glisa între sentimentele feminine ce îi sunt dedicate c devotament, pe care le domină cu o răceală auto-impusă. Tudor Cucu Dumitrescu (Mortimer) dispune de o voluptate ludică pe care o investeşte fără rezerve în bipolaritatea exprimată plenar. Transformarea sa din devotul obedient care exultă afirmându-şi credinţa cu prea mult zel redat de clipirea spasmodică exagerată în bruta scelerată orbită de patimă carnală echilibrează o interpretare ce stă sub semnul aceleiaşi dualităţi cu sens peiorativ.

În versiunea de distibuţie în care rolul Mary Stuart e interpretat de Raluca Aprodu şi cel al lui Elisabeth I de Ofelia Popii raportul de forţe este just atribuit. Raluca Aprodu, stăpână pe feminitatea sa, glisează uşor între fragilitate şi forţă. Monologul rostit la microfon în care demască vina rivalei sale cu patos, curaj şi demnitatea neştirbită de anii lungi de temniţă conţine revolta asumată a unei luptătoare ce nu îngenunchează, revendicându-şi propriul destin. Cu o energie brută şi o fizicalitate ce conţine organic motorul supraturat al preaplinului emoţinal, mizează pe această descătuşare fără rezerve. Ofelia Popii aduce în scenă nuanţe şi contrapuncte de linişte pe care le inserează în filmul interior accidentat al personajului. Îi oferă complexitate acestei Elisabeth I aflată la întretăiere de vini şi alegeri inevitabil greşite. Instituţia Coroanei ca temniță a voinţei este exprimată prin constanta dualitate a sinelui cu profunde calităţi morale versus statutul ce dictează implacabil şi nu iartă slăbiciunea. Cu multă căldură şi rafinament, jalonează printre sentimente contradictorii pentru ca la final să se transforme în efigia regalităţii pretinse de istorie. Confruntarea scenică dintre cele două regine este punctul culminant incandescent ce respiră vulnerabilitate apărată cu armura precară a ironiei din spatele ochelarilor de soare ce ascund ochi temători. Două voci, două voinţe, două corpuri, exprima, de fapt, o singură conştiinţă scindată de un destin dinainte hotărât. Scrisoarea citită cu lacrimi în glas de Ofelia Popii acompaniată de privirea sticlind de aceleaşi lacrimi ale Ralucăi Aprodu este momentul de graţie ce redă imaginea iconică a unui spectacol monolitic.

„Mary Stuart” în regia lui Andrei Şerban este un spectacol peste care nu poţi trece cu uşurinţă; e totodată un statement politic elegant, un mesaj extrascenic despre feminism şi feminitate transmis cu măsură şi sens, o artă poetică regizorală pusă în slujba performanţei actoriceşti şi o experienţă spectaculară complexă ce provoacă spectatorii la concentrare, participare intelectuală şi gândire critică în lipsa unei emotivităţi convenţionale. Dual până la capăt, conceptul e însuşit şi fructificat pentru a pune mai multe întrebări decât oferă răspunsuri; moneda care decide arbitrar pică pe cant şi oferă dubla perspectivă necesară îndoielii în numele echilibrului dintre umanitate şi monumentalitate.

Teatrul Naţional „I.L. Caragiale” Bucureşti

Mary Stuart

adaptare de Robert Icke după Friedrich Schiller

Traducere: Irina Velcescu

Regie: Andrei Şerban

Regizor asociat: Daniela Dima

Versiune scenică: Daniela Dima

Decor: Helmut Stürmer

Costume: Corina Grămoşteanu

Muzica: Alexei Țurcan

Video design: Andrei Cozlac

Lighting design: Cristian Niculescu

Asistent regie: Corina Mihaela Predescu

Asistent scenografie: Șteff Chelaru

Sound design: Liviu Stoica

Asistent lighting design: Daniel Mateescu

Grafică afiș: Two Bugs

Producător delegat: Mădălina Ciupitu

Regia tehnică: Costi Lupșa, Adrian Ionescu

Sufleor: Angelica Manciu

Distribuție:

Mary Stuart: Raluca Aprodu/ Nicoleta Lefter/ Ofelia Popii

Elisabeth I: Raluca Aprodu/ Ofelia Popii

Paulet: Mihai Călin

Mortimer: Florin Aioane/ Tudor Cucu Dumitrescu/ Ştefan Mihai

Lord Burleigh: Conrad Mericoffer

Lord Talbot: Marius Bodochi

Contele Leicester: Emilian Oprea

Lord Aubespine: Mihai Calotă

William Davidson: Ciprian Nicula

Kent/ Melvil: Florin Călbăjos

Foto: Florin Ghioca